Pop Art akımının en ikonik ve tartışmalı isimlerinden biri olan Roy Lichtenstein, New York’taki Whitney Amerikan Sanatı Müzesi’nde otuz yılı aşkın süredir düzenlenen ilk büyük retrospektif sergisiyle sanatseverlerle yeniden buluşuyor. “Like New” başlıklı bu kapsamlı sergi, sanatçının eserlerine ve yaratım süreçlerine dair geleneksel algıları sorgulayan, derinlemesine bir bakış açısı sunuyor.
Serginin en dikkat çekici unsurlarından biri, Lichtenstein’ın 1983 yılında yarattığı, ancak sanatçının isteği üzerine altı hafta sonra yıkılan anıtsal “Greene Street Mural” eserinin 29 metrelik bir rekonstrüksiyonu. Bayeux Tapestry’den ilham alarak seri hikaye anlatımı tekniğini kullandığı bu devasa çalışma, müzenin girişini baştan sona kaplayarak ziyaretçileri doğrudan Lichtenstein’ın dünyasına davet ediyor. Sanatçının bu eseri yaratırken, bin yıl sonra bile hayranlık uyandıran Bayeux Tapestry’nin görsel anlatım gücünden etkilendiği, özellikle erken dönem Pop Art öncesi çalışmalarında bu tür seri anlatım biçimlerine ilgi duyduğu belirtiliyor.
Lichtenstein’ın Sanatsal Evrimi ve Gizli Akıl Hocası
“Like New” sergisi, Lichtenstein’ın altı on yılı kapsayan sanatsal yolculuğunu, 1940’ların başlarındaki ilk çalışmalarından, 1997’deki ölümünde stüdyosunda bıraktığı bitmemiş tuvallere kadar 130’dan fazla eserle gözler önüne seriyor. Whitney Müzesi’nin Lichtenstein ile olan bağı 1965 yılına, sanatçının eserlerinin ilk kez bir Whitney yıllık sergisinde yer almasına dayanıyor.
Bu retrospektifin küratörlüğünü, müzenin kendi küratörlerinden Meg Onli ve çağdaş sanatçı Alex Da Corte üstleniyor. Lichtenstein’ın dul eşi Dorothy’nin önerisiyle bir araya gelen bu ikili, sanatçının çalışmalarına sadece geleneksel bir genel bakış sunmak yerine, yenilikçi ve çağdaş bir perspektif getirmeyi hedeflemiş. İmgelemi ve tüketim kültürünü eleştiren sürükleyici enstalasyonlarıyla tanınan Da Corte, Pop Art’a olan uzun süreli ilgisiyle bu projeye dahil olmuş. Da Corte, “Roy gibi her yerde bulunan bir sanatçı hakkında ne düşünebiliriz? Nerede bir boşluk var? Ne keşfedilebilir? Orada yeni ne var?” sorularıyla yola çıktıklarını ifade ediyor.
Serginin temel tezi, Lichtenstein’ın kariyeri boyunca Ohio Eyalet Üniversitesi’nden Hoyt Sherman adlı, o dönemde pek tanınmayan akademik akıl hocasına duyduğu yaşam boyu süren takıntısı etrafında şekilleniyor. Lichtenstein, 1940’larda Sherman’ın öğrencisi olmuş ve daha sonra onunla birlikte ders vermeye geri dönmüştü. Kariyeri boyunca, 1997’deki ölümüne kadar, Sherman’ı en büyük tekil etkisi olarak defalarca dile getirmiş olsa da, Sherman’ın radikal öğretim yöntemleri önceki retrospektiflerde genellikle göz ardı edilmişti.
Küratörler Onli ve Da Corte, Lichtenstein’ın sanatsal mekanizmalarını daha iyi anlamak için Ohio Eyalet Üniversitesi arşivlerine giderek Sherman’ın müfredatını ve psikolojik deneylerini incelemişler. Sherman, optik ve görsel algı alanında bir öncüydü. “Flaş laboratuvarları” olarak bilinen özel laboratuvar ortamları kurarak, öğrencilerine zifiri karanlık sınıflarda, natürmort veya geometrik formların görüntülerini saniyenin çok kısa bir bölümünde gösterir ve gördüklerini tam karanlıkta çizmelerini isterdi. Bu yöntemle öğrencilerin zihinlerini mekansal formu, figür-zemin ilişkilerini ve görsel hafızayı ardışık değil, bütünsel olarak işlemeye alıştırıyordu.
Kopyalama Eleştirilerine Yanıt ve Sanatsal Süreç
Da Corte, Sherman’ın öğretim yöntemlerinin “ekzantrik ve göz ardı edilmemesi gereken” nitelikte olduğunu belirtiyor. Sherman’ın, Aristo ve Leonardo da Vinci’ye kadar uzanan optik teorisyenlerden etkilendiğini ve 20. yüzyılın başlarındaki çağdaş araştırmaları da takip ettiğini vurguluyor. Bu bağlam, Lichtenstein’ın üretimini yeni bir ışık altında sunuyor: Sanatçı, yalnızca kitle iletişim araçlarından görüntüleri kopyalamak yerine, popüler imgeler aracılığıyla optik ve algıya dair sofistike soruları araştırıyordu.
Bu durum, Lichtenstein’ın kariyeri boyunca peşini bırakmayan intihal, kaynak belirtmeden kopyalama ve tembel bir sahiplenme olduğu yönündeki eleştirilere meydan okuyor. 1960’larda Pop Art’ın zirve yaptığı dönemde, eleştirmenler sık sık Lichtenstein’ın pratiğinin meşru bir güzel sanat mı yoksa ticari bir hırsızlık mı olduğunu sorgulamış, hatta Life dergisi 1964’te “ABD’nin En Kötü Sanatçısı mı?” başlığıyla bir makale yayınlamıştı.
Onli ve Da Corte’ye göre, bu eleştiriler dar görüşlü ve Lichtenstein’ın pratiğini temelden yanlış anlıyor. “Like New” sergisinde ziyaretçiler, Tony Abruzzo ve William Overgard gibi illüstratörlerin çizgi roman panellerinin yanı sıra, Lichtenstein’ın orijinal eskiz defterlerini, kaynak kupürlerini ve ön çizimlerini inceleyebiliyorlar. Bu belgeler, sanatçının kaynaklarını yalnızca yeniden üretmek yerine, ne sıklıkta yeniden işlediğini gösteriyor. Lichtenstein, karmaşık görsel kompozitler yaratırken çizgi ağırlıklarını yeniden düzenlemiş, kompozisyonları kırpmış ve renk alanlarını değiştirerek izleyicinin gözünü tahrik etmeyi amaçlamış.
Onli, Lichtenstein’a yöneltilen eleştirilerin, 1960’larda sahiplenmeyi bir strateji olarak kullanan Warhol gibi diğer Pop Art sanatçılarına da yöneltildiğini hatırlatıyor. Serginin, Lichtenstein’ın eskiz defterleri ve kupürleri aracılığıyla, çizgi roman sanatçılarının orijinal çizimleriyle birlikte, onun kompozisyonlarını nasıl oluşturduğunu görme fırsatı sunduğunu belirtiyor. “Bir görüntüyü doğrudan bir çizgi romandan kaldırdığını söylemek oldukça indirgeyicidir; çoğu zaman tek bir kompozisyona birçok farklı kaynak girmiştir” diye ekliyor.
Lichtenstein’ın “alıntı yapma” alışkanlığı, sanat tarihi boyunca da uzanıyordu. 1942’den kalma erken dönem çalışmaları, onun tarihi tabloları kopyaladığını gösteriyor; bu alışkanlık daha sonra Claude Monet’nin Rouen Katedrali, Pablo Picasso’nun kübist figürleri, Henri Matisse’in iç mekanları ve Piet Mondrian’ın ızgaralarına atıfta bulunan büyük serilere evriliyor. Onli, “Sanat okuluna giden hepimiz eğitimimize kopyalama yoluyla başlarız. Herkes eğitimine büyük ustalara bakarak ve onlardan esinlenerek başlar. Lichtenstein kariyeri boyunca bununla gerçekten oynadı” diye vurguluyor.
Da Corte, Lichtenstein’ın teknikleri ile geleneksel baskı resim veya çizgi roman üretimi arasında doğrudan bir paralellik kurarak, görsel sanatın her zaman temelden işbirlikçi ve yinelemeli olduğunu belirtiyor. Rönesans’tan öncesine kadar, bir şeyleri izleme ve bir karikatür yapma fikrinin sanat pratiğinin bir parçası olduğunu söylüyor. Da Corte, “Çizgi romanlarda çalışan herkes, hiç kimsenin bunu tek başına yapmadığını bilir; bu işbirlikçi bir süreçtir. Onun bir şeyleri değiştirme biçimleri, eserin gerçek odak noktası haline gelir. Eserin konusu, ne olduğu ya da kaldırıldığı değil, nasıl değiştirildiği, neyin kaybolduğu veya aslında silindiğidir” diye açıklıyor.
Da Corte ayrıca, Lichtenstein’ın ince ayarlamalarının eserlerine sessiz, kişisel bir mizah kattığını ekliyor. Onun, Marcel Duchamp’ın hazır nesnelerle etkileşimine benzer şekilde, bulunan bir nesneyi alıp hafifçe ayarlayarak hem tamamen sıradan hem de tahrik edici hale getirdiğini belirtiyor. “Roy, komik ve derinden sevilen biri olarak bilinen, mizah dolu bir adamdı” yorumunu yapıyor.
“Like New” sergisindeki en muhteşem küratöryel başarılarından biri ise, Pop Art’ın gelişini müjdeleyen, Lichtenstein’ın 1962’deki Leo Castelli Galerisi’ndeki çığır açan ilk sergisinin tarihi rekonstrüksiyonu. Whitney, Castelli’nin samimi galerisinin mimari bir kopyasını oluşturarak, o dönemin atmosferini yeniden canlandırıyor.
Sonuç olarak, Whitney Müzesi’ndeki “Like New” sergisi, Roy Lichtenstein’ın sadece Pop Art’ın renkli ve ironik yüzü olmadığını, aynı zamanda görsel algı, sanat tarihi ve yaratım süreçleri üzerine derinlemesine düşünen, karmaşık bir sanatçı olduğunu gözler önüne seriyor. Bu sergi, sanatçının mirasına dair daha zengin ve nüanslı bir anlayış sunarak, onu eleştirilerin ötesinde, kendi çağının ve sanat tarihinin önemli bir figürü olarak yeniden konumlandırıyor.
Bu haber, The Guardian Culture'da yayınlanan bir makaleden derlenerek Kültür Sanat okuyucuları için yeniden kaleme alınmıştır. Kaynak: The Guardian Culture.
